INSTITUTO CULTURAL DE LEÓN

V CEADEH: Construcción de escenarios esperanzadores

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El arte es sin duda un reflejo del hombre, de sus emociones, sus pensamientos, sus anhelos y sus circunstancias; a partir de ello crea para comprender y darle un sentido a todos estos factores, lo que puede recaer e influir en la construcción de procesos que propicien un mayor bienestar social.

El V Congreso de Educación Artística para el Desarrollo Humano se llevará a cabo en el marco de un momento histórico que, si bien ha afectado a prácticamente toda la población del mundo, también ha ocasionado la reflexión de la naturaleza humana y de cómo encontrar el valor, la fuerza y la inspiración para mantenernos firmes ante estas dificultades.

‘Arte y resiliencia comunitaria en tiempos de crisis sociales’ es el lema que rige la edición 2020 de este encuentro enfocado en posicionar al arte como uno de los elementos primordiales para la generación de mejores sociedades.

Las actividades de este Congreso estarán orientadas a responder cuestionamientos como: ¿Qué recursos educativos tiene el arte para construir resiliencia en tiempos de emergencias sociales? ¿Por qué el arte nos puede recordar lo mejor de la vida? ¿Por qué los artistas son víctimas de momentos precarios pese a su necesaria presencia? ¿Qué orientaciones y herramientas tienen las instituciones de educación y difusión artística para democratizar el arte? ¿El arte cura, da esperanza o construye sociedades más empáticas y saludables, solidarias y cuidadosas hacia una calidad de vida para todos?

A través de charlas, conferencias y talleres, las manifestaciones artísticas y las expresiones creativas serán analizadas con la intención de identificar su valor como generadoras de resiliencia, es decir, de qué manera se convierten o proporcionan recursos, individuales y colectivos, para la adaptación y la generación de respuestas adecuadas ante problemáticas tan graves como la actual alerta sanitaria.

La quinta edición del CEADEH se llevará a cabo en línea del 26 al 28 de noviembre y, dentro de sus actividades, se encuentran diversas conferencias magistrales, mismas que arrancarán con La Alquimia de la transformación: de la adversidad a la expresión artística a cargo de Juan Antonio de la Mora, maestro en terapia ericksoniana y estudioso de temas de Desarrollo Humano, Lenguaje y Modificación Conductual, PsicoNeuroEndocrinoInmunología, Tanatología y Terapia Gestalt, quien identifica en el arte una proyección del pensamiento hacia un futuro más prometedor a la vez que fomenta la autoestima y la convivencia comunitaria solidaria.

Daniel Tarnovsky, médico psiquiatra y psicoanalista, ofrecerá la conferencia Escenarios cotidianos, pandemias e incertidumbres. Entre su labor destaca la impartición de cursos, talleres y conferencias de psicodrama, creatividad, arte, clínica, prácticas comunitarias y subjetividad en universidades, instituciones y grupos de México. Ha sido supervisor y entrenador de preventólogos y profesionistas en la clínica, la pedagogía y el arte; además de trabajar la temática de la subjetividad contemporánea y el abordaje de nuevos lenguajes en lo singular y colectivo.

El mercadólogo, empresario y consultor, precursor de la Mercadotecnia Cultural en México, Sergio Gómez-Tagle, llegará al escenario virtual del Congreso a través de la conferencia Consumo cultural y comunidad: Vivir de la creación sin morir en el intento. Autor y docente del primer curso de mercadotecnia de las artes en nuestro país por invitación del CONACULTA e instructor especializado del programa ACERCA del Gobierno de España en América Latina. Ha producido espectáculos escénicos, fungido como promotor y curador de muestras de artes visuales y contribuye en la programación de exposiciones en el sistema de galerías de la Alianza Francesa. CEO y fundador de Grupo AdVerb, que integra a Imaginaria, agencia de consultoría y marketing cultural; Japomex, que promueve el intercambio cultural entre Japón y México; Expertise, figura dedicada a la investigación y educación continua; y Start Cravers, fondo de inversión para la producción de eventos de alto valor.

Miviam Ruiz Pérez hará lo propio con Cultura de paz y desarme cognitivo para una educación artística resiliente. Doctora en Ciencias sobre Arte y diplomada en Pedagogía y Psicología del Arte por la Universidad de las Artes de Cuba. Actualmente es directora general de Educación Artística y Cultura Comunitaria de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México; se ha desempeñado como Directora Académica del Centro Cultural Ollin Yoliztli (CCOY), Jefa del Departamento de Investigaciones del Centro Nacional de Enseñanza Artística de Cuba (CNEART). Entre sus temas de investigación se encuentran los relacionados con el Diseño curricular en artes, las pedagogías decoloniales, la educación artística y la cultura de paz, archivística musicología y redes, la investigación artística y la dirección de proyectos educativos culturales.

Por su parte, Ignacio Plá concluirá esta serie de conferencias magistrales con Sinfonía de los Tiempos: Gramáticas artísticas y comunitarias en emergencia. Etnólogo, gestor cultural, director escénico, actor y dramaturgo. Se ha dedicado a la investigación artística, educativa y museográfica así como a la educación en las artes. Director fundador de la Unidad de Vinculación Artística del CCU Tlatelolco y, posteriormente, Curador de Proyectos Públicos y Comunidades del MUAC, también de la UNAM. Creó ‘TENTENELAIRE Plataforma’, espacio de investigación, creación, formación, curaduría y asesoría en Artes vivas, Etnología, Educación Artística y Gestión Cultural. Actualmente es el creador y director del proyecto ‘Cerro de Agua, Laboratorio de Investigación/creación artística’ con el Museo de Arte Moderno y el apoyo de la Dirección del Bosque de Chapultepec.

Además, este encuentro de arte y educación presentará el panel Arte y resiliencia: una mirada desde lo colectivo, con la participación de la Red Universitaria de las Artes y El Rule Comunidad de Saberes. Diversos talleres estarán disponibles para los asistentes, impartidos por expertos y colectivos como: Edith Medina, Pablo Gershanik, Colectivo la 15, Cuaco Navarro, Pamela Carmona Arellano, Francisco Balboa y Diana Sánchez, entre otros; así como un programa de actividades artísticas en distintas disciplinas que incluyen varias entrevistas a artistas con una labor constante a pesar de la pandemia.

Con el objetivo de generar espacios de encuentro para las y los realizadores de proyectos culturales con metodologías de organización, distribución y socialización de la cultura mediante la intervención de los integrantes de las comunidades, el CEADEH convocó a personas, colectivos y organizaciones de la República a compartir sus experiencias y prácticas con la participación de un especialista invitado que propiciará una reflexión y retroalimentación sobre las temáticas tratadas.

Te invitamos a formar parte de esta edición virtual del Congreso de Educación Artística para el Desarrollo Humano y continuar abonando en el desarrollo de las sociedades a través del arte y la cultura; el aprendizaje, la creación, el intercambio de ideas, la búsqueda de herramientas para la transformación de perspectivas y la construcción de escenarios futuros y esperanzadores se mantienen y encuentran un especial impulso frente a la adversidad.

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Este texto se publicó originalmente en la Revista Cultural Alternativas 122: bit.ly/Alternativas122

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El arte es crisis: Carta a un amigo en tiempos de pandemia

Carta a un amigo en tiempos de pandemiaQuerido Daniel:Me quedé reflexionando sobre lo que dijiste en la última carta. Yo entiendo el arte como la manifestación simbólica de la conciencia de ser y estar en el mundo, por ejemplo: Los caprichos de Goya no sólo son un registro histórico, dan cuenta de la dimensión humana atemporal; Efraín Huerta en Poemas prohibidos y de amor dice: Y dominaronPues con el alba toda,con el torno, el tractor y las espigas,el trabajo tenía un fresco sentimiento de triunfo.Y triunfaron.Del Báltico al Pacífico, un rumor,una llama, una virtud nacía;y hubo estatuas y ejércitos.Y hubo también un hombre(ningún hombre en el mundo trabaja más que él),un hombre de ardoroso metal,un hombre de sobrehumana calidad, un soviético: Stalin.En otro poema del mismo Efraín leemos:ved a este niño: madrileñocinco años, el cuerpo destrozado;tiene sonrisa de ave, tiene ojos de miseria. Evidentemente, el valor estético del primer párrafo rebasa su germen y el desacierto ideológico queda en segundo plano. Lo importante es que tanto Stalin como el niño son representaciones simbólicas de las posibilidades de la existencia humana. Pensaba además en la porosidad de los conceptos, ayer leía en Muerte sin fin:lleno de mí-ahíto-me descubro en la imagen atónita del agua.Sin ser una metáfora, hay una extrañeza que se sustenta en la apertura del concepto, es otra forma de decir: me veo reflejado en una superficie; al captar el tipo de relación que hay entre dos fenómenos podemos cambiar el contexto y renovar el lenguaje. En ese mismo poema Gorostiza dice:Y un reposo gentil de muerte niña, sonriente, que desflora un más allá de pájaros en desbandada.Esa imagen me lleva a la frase La risa sale revoloteando de él como una nube multicolor (Así habló Zaratustra). En ambas hay originalidad y además semejanza. Según yo entendí con Wittgenstein que aunque nada nuevo hay bajo el sol, nos queda la relación, y el ensanchamiento del mundo se debe al surgimiento y destrucción de relaciones que sólo pueden nacer y morir cobrando conciencia de que esto que tengo ante mí, acaso, pueda ser de otro modo por una relación distinta, abriendo así nuevas categorías con los mismos referentes. Entonces, si no son las cosas, sino la relación entre ellas lo que introduce la novedad, el artista, en un darse cuenta, irrumpe en la continuidad y elige otro modo de relación, a partir de ahí separa, juzga y decide qué hacer con esto que por ahora es así; en eso radica la creación. Andaba yo en estos piensos y decía, entonces el arte es, en esencia, crisis. Porque si crisis se deriva del griego krísis “decisión”, “juicio”, “discernimiento” y se emparenta con Krino “juzgar”, “reflexionar”, el arte es crisis. Más tarde encontré una conferencia del historiador chileno Roberto Soto que reafirmó mis intuiciones al respecto, dice “No se puede estar en crisis sin crítica, por lo tanto, la crisis es un proceso espiritual y no la descripción de un acontecimiento externo como un terremoto, que puede ser un gran desastre pero no necesariamente llevar al hombre a una crisis, la crisis es un proceso de revisión”. Pensé entonces ¿Y acaso no es ésta la esencia del arte? Espero tu amable respuesta y espero en Dios que este estado de cosas nos ponga en crisis.                                                                                                                Flor BoscoNota: Estas son las dos ideas principales en la reflexión. “Yo entiendo el arte comola manifestación simbólicade la conciencia de sery estar en el mundo.”“el artista, en un darse cuenta, irrumpe en la continuidad y elige otro modo de relación, a partir de ahí separa, juzga ydecide qué hacer con esto que por ahora es así; en eso radica la creación.” Flor Bosco (León, Gto., 1970). Licenciada en Comunicación por la Universidad Iberoamericana. Artista visual, ensambladora de objetos y palabras, cuenta con más de 50 exposiciones entre individuales y colectivas. Su obra ha sido expuesta en varios recintos oficiales del país. En el año 2000 funda el taller Mundo Quimérico. Desde 2010 ha escrito cuentos y poemas como soporte para su obra plástica. Ha publicado los libros de artista: “4 haikús, de la serie Desde el exilio” (2017) “Tipos de moscas” (2018) “Saben mi nombre” (2019) “Postergar la apostasía” (2020) con la editorial Navegante/Arte múltiple. Ha publicado serie corta de poemas en la revista bilingüe La Presa, Embajadoras Press, Ontario, Canadá y en Tres Pies al gato revista digital, 2018, 2019 y 2020.Este texto se publicó originalmente en la Revista Cultural Alternativas 122: bit.ly/Alternativas122

Construcción de diálogos para el bienestar social

La crisis en que se encuentra el mundo ha permitido al ser humano realizar un sin número de reflexiones sobre prácticamente todo; sus problemáticas por supuesto tienen un papel fundamental, dar una vista hacia atrás y encontrarse con tantas fracturas genera un importante cuestionamiento: ¿queremos volver a la ‘normalidad’ en que vivíamos?Ignacio Plá, actor, dramaturgo, programador y gestor cultural uruguayo, toma esta interrogante para abordar el tema de la reconstrucción social, preguntándose hacia dónde va esta recomposición; si, después de la pandemia, la ‘nueva normalidad’ traerá consigo nuevas herramientas que permitan trabajar con comunidades en tantas cosas fragmentadas desde mucho tiempo atrás, como la precariedad, la desigualdad, la falta de unión y el trabajo entre los grupos.“Una de las cosas que definen a una comunidad es justamente el sentido o los territorios de sentido, que es lo que une específicamente a una comunidad, lo que los reúne y los hace caminar hacia adelante. Cuando el tejido social está descompuesto, parte de lo que está destruido es esta idea de caminar juntos hacia un fin común, de la construcción de un bien común.No se trata nada más de regresar, buscar y acercarnos para estar como estábamos, sino justamente hacerlo para estar en otro lugar”, asegura el también etnólogo, quien ha dedicado sus últimos años de práctica artística y profesional a la creación e investigación escénica, la enseñanza de las artes y el trabajo con comunidades en nuestro país. Plá destaca, ante esta pandemia, un momento de pausa para escuchar y recuperar la gran sabiduría que existe en el pueblo mexicano.“¿Cómo ha sobrevivido tal cantidad de población?, pues a través de la organización comunitaria, de encontrar formas de ayuda mutua, del saber; y en este sentido al arte es muy dúctil y significativo, es observar y acercarse a estas inteligencias comunitarias, a estas capacidades de organización para solucionar y solventar las distintas dificultades, solo con ese trabajo es como todo puede cobrar otro tipo de sentido”.La importancia del arte, en este caso, es aquella mirada del mundo que parte de lo sensorial, lo emocional, lo afectivo y estético de la humanidad; un trabajo directo persona a persona. Es fundamental entonces no pensar en el arte como la producción artística de obra (una puesta en escena, una pieza musical, etcétera) sino como un camino para pensar e imaginar nuevas formas de relación social.“El arte puede abordar una misma problemática desde muchas perspectivas. Generar un tipo de arte es lo que nos permite aproximarnos, conmover y movernos con el otro hacia un lugar diferente, es decir, si yo logro acercarme a ti y moverte, provocarte y envolverte en todas tus emociones, ya sucedió algo porque al final el arte, lo que busca cada vez más, es en generar experiencias transformadoras”.Para lograrlo es importante que el artista cuente con las herramientas necesarias para analizar la dinámica social y los conflictos que puedan estar sucediendo en un contexto determinado, para abordarlos y confrontarlos. Si bien el artista no tiene la solución, sí puede acercar diversos instrumentos que permitan a las personas o comunidades ver las cosas con diferente perspectiva y, a partir de ahí, encontrar otros caminos para moverse juntos y encontrar soluciones.Aún con ello, asegura Plá, es riesgoso pensar que el arte puede solucionar todo. Es cierto que mientras más interdisciplinario se sea, se podrá abordar un mayor número de problemáticas a través de distintos lenguajes artísticos y métodos, como por ejemplo el de abordar temas de manera directa y de frente, como sucede muchas veces con el teatro; por otro lado, algunas artes visuales contemporáneas utilizan la pedagogía en la generación de dispositivos que sirvan de pretexto para dialogar.“Una parte sustancial para todo tipo de proceso de reconstrucción del tejido social es la forma en que construyas diálogos; por eso hay todo un cambio en el arte contemporáneo que tiene que ver con apostarle no al resultado sino al proceso, que es justo el trabajo de diálogo, de encontrar las problemáticas, de ir nombrando las situaciones y de ahí producir obra. El arte puede ayudarte a encontrar las preguntas importantes que hay que hacerse para cambiar las cosas”.Ejemplo de esto es la Unidad de Vinculación Artística (UVA) del CCU Tlatelolco, UNAM, fundada en 2010 por Ignacio Plá, una escuela de artes que trabaja con un planteamiento diferente. Su propuesta, integrada por la práctica artística, la interdisciplina y la vinculación comunitaria, permitió permear en la participación colectiva a través de la recuperación de la memoria del barrio y en la creación de proyectos en beneficio de sus integrantes.La escucha, el trabajo persona a persona, la identificación de problemáticas y el conocimiento de su historia, generaron dinámicas de reconstrucción del tejido integrando a toda su estructura social. Se trabajó también en temas como la drogadicción, la violencia y la falta de acceso a la educación artística. UVA se convirtió en un espacio con historias de formación, creación, vinculación y transformación que derivaron en procesos de beneficio comunitario. El éxito, manifiesta Plá, está en vivir el proceso, aprender de los errores y tener la capacidad de avanzar y crear.“Si tú generas procesos de creación colectiva y coparticipativa son espacios formativos en sí mismos, estás impulsando la imaginación y la inteligencia social en muchos sentidos; y esta capacidad de decir «creamos esto juntos» también creo que permite reconstruir el tejido en sentido de dar poder, pero un poder visto como la capacidad de cambiar tu entorno y tu realidad, y eso sí te lo da de una manera muy directa el arte”.Conoce más del trabajo de Ignacio Plá a través del V Congreso de Educación Artística para el Desarrollo Humano organizado por el Instituto Cultural de León, a desarrollarse del 26 al 28 de noviembre; con la conferencia magistral Sinfonía de los Tiempos: gramáticas artísticas y comunitarias en emergencia, analizando el papel y los retos de la praxis artística en el desarrollo de procesos de vinculación, colaboración, creación y transformación con distintas comunidades y proyectos de base social comunitaria. Consulta más a través de www.congresodeeducacionartistica.comEste texto se publicó originalmente en la Revista Cultural Alternativas 122: bit.ly/Alternativas122

Del dicho al hecho, Atelier Romo y la educación profunda en el arte

Reconocido artista visual contemporáneo, Sebastián Romo es también un convencido de que el arte es fundamental para crear una sociedad sana; con esa premisa funda en el 2009, Atelier Romo, un espacio de enseñanza alternativa que, a través de la multidisciplina y la educación profunda, evoluciona el concepto de educación artística y lo fusiona con la profesionalización. Sebastián Romo se dedicó a la enseñanza artística desde muy joven, tanto en la institución pública como privada, y en ambos casos se encontró con barreras similares que alejaban a los jóvenes de la creación artística profesional.“Hay una dicotomía muy marcada en lo que es el mundo del arte y la educación artística. Creo que hay que hacer un esfuerzo por acercar a los estudiantes de arte a los mecanismos reales de la profesión”. Explicó el artista en entrevista con la Revista Cultural Alternativas. Para Romo, este distanciamiento nace de distintos factores:“Por un lado son prejuicios culturales que hemos heredado, como la idea romántica del pintor solitario encerrado en su estudio, produciendo objetos bellos, como si fuera incapaz de establecer un contacto directo, una responsabilidad con el trabajo, la sociedad o el momento histórico en el que vive”. Además menciona al sistema, cuya desactualización y rigidez juega en contra de los jóvenes que salen a competir distanciados de la profesión y sus retos en el mundo del arte. “Por otro lado, los sindicatos y una serie de mecanismos en muchas escuelas y talleres donde los maestros ya no están actualizados o están completamente fuera del circuito y no ayudan a que la gente pueda estar más cerca del mismo. La academia tiene muchos mecanismos que no están logrando actualizarse a la misma velocidad que las redes sociales, que nuestros tiempos, que el acceso a la información, tutoriales en YouTube, etcétera”; declara Sebastián Romo. Por supuesto que no todo recae en la academia y eso lo sabe Sebastián, que entiende que en esta generación existe una comodidad que desmotiva a la creación y a la búsqueda, que genera apatía en algunos casos. Y es que afortunadamente en México ya existen espacios y plataformas donde los artistas pueden difundir, comercializar y explotar su talento a través de la creación artística, lamentablemente estas puertas abiertas han creado, en algunos estudiantes, una comodidad en la que se sientan a esperar que el éxito algún día toque sus puertas. “Creo que la proactividad, pasar del dicho al hecho, el hacer, sigue siendo fundamental; sobretodo cuando ciertos mecanismos están muy cortados por distintos intereses políticos, económicos, de tradiciones, con más razón el artista tiene que ser proactivo”; explica Sebastián Romo. Ante esto y respecto a la frustración que como docente sentía al no poder saciar el hambre creadora de sus alumnos, decidió abrir su taller e invitar a jóvenes de diferentes instituciones a reunirse, aprender y crear. Así nació Atelier Romo, hace ya 11 años. “Estaba muy frustrado porque traté de varias maneras, al interior de las escuelas, de proponer nuevas estrategias, programas, etc., y siempre por una u otra razón no se podían implementar”.Paso a paso, Sebastián fue dándole forma a un proyecto de educación alternativa que tiene como uno de sus pilares el aprendizaje multidisciplinario.  “Creo que cada disciplina es una suerte de idioma, digamos que la costura es el alemán,la carpintería es francés, la comida italiano, el cuerpo el inglés, etcétera; mientras más idiomas hablemos, más sistemas de pensamientos vamos a tener para resolver un problema en concreto”.El programa evolucionó hasta que se convirtió en lo que hoy conocemos como Atelier Romo, espacio en donde, cada sábado y durante todo el día, se exploran temas desde 6 ejes rectores distintos: El cuerpo que sensibiliza, la teoría que da contexto y conocimiento, el dibujo como lenguaje universal, la comida para construir comunidad y nutrir, el taller es el espacio donde se materializan las cosas, y en el cine encuentran el paliativo a la ausencia de la posibilidad de viajar. “La idea de educación profunda tiene que ver con todo aquello que te acompaña en la vida cotidiana”; puntualizó Sebastián Romo. La educación profunda, fundamento de este sistema, se aleja de la meritocracia y busca como fin realmente aprender. Otra característica es que los alumnos de Atelier son quienes deciden qué es lo que quieren aprender durante el curso. “Realmente mucho del programa de Atelier está diseñado para empoderar, para ampliar la visión, y está completamente conectado con la idea del buen vivir y del bienestar”.Y en cuanto a los profesores y artistas colaboradores, se convierten en productores que acompañan a los jóvenes estudiantes, en lugar de proveedores que solo comparten conocimiento.“El arte es la única cosa, el único tema que tenemos que ha sobrevivido a lo largo de la historia de la humanidad. El arte es lo último que la inteligencia artificial va a lograr a hacer, es lo que nos hace humanos y lo que nos ayuda a ampliar nuestro rango de visión para entender el mundo de otras maneras posibles”. Explicó Sebastián Romo con respecto a priorizar la enseñanza artística.Actualmente Sebastián Romo se encuentra terminando una exposición que recopila 10 años de Atelier Romo, en colaboración con Arte Abierto, que se exhibirá en diciembre próximo; mientras que en marzo iniciará una nueva generación de estudiantes. Aprender y hacer, los estudiantes deben acercarse a la creación y la institución debe buscar maneras para facilitarlo. “La profesionalización tiene que estar dentro de las escuelas”, exclama Sebastian Romo, cuya exitosa trayectoria artística se compagina con la misión de evolucionar y mejorar la enseñanza artística en México.Este texto se publicó originalmente en la Revista Cultural Alternativas 122: bit.ly/Alternativas122